21 октября в Большом зале Московской консерватории в исполнении Российского национального оркестра под управлением Юрия Демидовича прозвучит французская и русская музыка. Солисты – Абисал Гергиев (фортепиано) и Елена Таросян (скрипка).
В программе концерта – сочинения французских композиторов: «Поэма» для скрипки с оркестром ор. 25 (1896) Эрнеста Шоссона, «Интродукция и рондо каприччиозо» ор. 28 (1867), «Пляска смерти» ор. 40 (1874) и «Вакханалия» из оперы «Самсон и Далила» ор. 47 (1876) Камиля Сен-Санса и «Болеро» (1928) Мориса Равеля. Каждое из них без преувеличения было настоящим «хитом» своего времени – завораживающим выразительностью тем, красотой оркестровки, контрастами изящества и покоряющей силы. Яркость этих шедевров, обретших мировую славу вскоре после премьер, не потускнела по прошествии столетия и более. При этом аккордно, в один вечер они объединяются исключительно редко.
Появление в этом контексте Концерта для фортепиано с оркестром ор. 20 (1897) молодого Александра Скрябина на первый взгляд может показаться неожиданным. Но именно в окружении «Вакханалии» и «Болеро» с особенной ясностью и чистотой звучат лирика и патетика этого сочинения, в котором еще так много шопеновского. А близость года создания Концерта Скрябина и «Поэмы» Шоссона позволяет прочувствовать ассонансы и контрасты в мироощущении русского и французского композиторов-романтиков.
На афише концерта – имена молодых музыкантов, лауреатов международных конкурсов, Юрия Демидовича, Абисала Гергиева и Елены Таросян, узнаваемых в своем поколении благодаря неповторимому стилю, изысканности в выборе репертуара и харизматичности. Участие в концерте Российского национального оркестра, мировой уровень которого определяют профессионалы высочайшего класса, служит еще одним залогом успеха.
Программа
I отделение
Э. Шоссон — «Поэма» для скрипки с оркестром, op. 25
К. Сен-Санс:
- «Интродукция и рондо каприччиозо», op. 28
- «Пляска смерти», op. 40
- «Вакханалия» из оперы «Самсон и Далила»
II отделение
А. Н. Скрябин — Концерт для фортепиано с оркестром фа-диез минор, соч. 20
М. Равель — «Болеро»
«Песнь торжествующей любви»: «Поэма» Шоссона для скрипки с оркестром
«Поэма» для скрипки с оркестром ор. 25 французского композитора Эрнеста Шоссона (1896) входит в «золотой фонд» романтического репертуара. Она получила мировую известность благодаря первому исполнителю, другу композитора, знаменитому бельгийскому скрипачу Эжену Изаи (которому и посвящена), а впоследствии вошла в репертуар мировых звезд – Фрица Крейслера, Джордже Энеску, Жака Тибо, Иегуди Менухина, Давида Ойстраха. Но, как ни парадоксально, она почти не известна тем, кто непосредственно не причастен к скрипичному искусству.
Это сочинение из разряда тех, которые привлекают не яркостью контрастов, а погружением в безбрежную, таинственную и прекрасную звуковую стихию, завораживающую бесконечной и изменчивой в своем развитии мелодией. Сложность его интерпретации для солиста не столько в исполнении подвижных пассажей, скачков и двойных нот, в точности интонации в верхнем регистре, а, прежде всего, в способности мыслить и слышать целое, представить ту самую мелодическую линию в ее непрерывном, лирически насыщенном течении.
Ключ к пониманию «Поэмы» – программа, первоначально предполагавшаяся композитором. Под впечатлением от повести Ивана Тургенева «Песнь торжествующей любви» (1881), Шоссон хотел дать своему сочинению это название. В повести роковые звуки скрипки погружают героиню в любовный транс:
«Страстная мелодия полилась из-под широко проводимого смычка, полилась, красиво изгибаясь, как та змея, что покрывала своей кожей скрипичный верх; и таким огнем, такой торжествующей радостью сияла и горела эта мелодия, <…> и алмаз на конце смычка бросал на ходу лучистые искры, как бы тоже зажженный огнем той дивной песни».
Посвящение Пабло де Сарасате: «Интродукция и рондо-каприччиозо» Сен-Санса
27 апреля 1867 года в парижском зале Плейель выступили два молодых музыканта – 31-летний композитор и дирижер Камиль Сен-Санс и 23-летний виртуоз-скрипач Пабло де Сарасате. Публике было впервые представлено сочинение под названием «Интродукция и рондо-каприччиозо» (Introduction et Rondo capriccioso) op. 28, впоследствии принесшее композитору мировую славу. Много лет спустя Сен-Санс написал:
«Разнося мою музыку по всему миру своим волшебным смычком, Пабло де Сарасате оказал мне величайшую услугу; и я счастлив публично выразить ему вместе с восхищением также свою признательность и дружбу».
Знаком этой признательности стало посвящение «Интродукции и рондо-каприччиозо» знаменитому скрипачу. Именно с мыслью о Сарасате связан испанский колорит многих тем сочинения.
Форма «Интродукции и рондо-каприччиозо» напоминает развернутую арию. Она начинается приглушенно, как оперная сцена – пленительное кантабиле, прерывающееся импровизационными пассажами. Основная часть пьесы – эффектное рондо-каприччиозо, высочайшая техническая сложность и разнообразие которого представляют солисту возможности показать свое мастерство во всем изяществе и блеске.
«Виват Костлявой!»: «Пляска смерти» Камиля Сен-Санса
Аллегорическая фигура танцующей Смерти, увлекающей за собой мертвецов – сюжет, популярный в Западной Европе в XV-XVI веках. В это время фрески, символизирующие триумф Смерти и равенство пред ее лицом всех, от крестьянина до монарха, украсили стены кладбищ в Париже, Базеле, Любеке, Пинцоло, Берне и многих других городах. Позднее из монументальных форм этот сюжет перешел на страницы книг и гравюр, а во времена Просвещения воспринимался уже как архаика.
В эпоху романтизма, с его тяготением к средневековым преданьям и мистике, амбивалентности красоты и ужаса (кроющегося под ее покровом), глубине переживания и охлаждающей иронии, тема танцующей Смерти обрела новую жизнь. То призрачный, то тяжеловесный пляс, стук костей, средневековая тема Dies irae («День гнева») звучали в «Фантастической симфонии» Г. Берлиоза, «Пляске смерти» Ф. Листа, «Песнях и плясках смерти» М. П. Мусоргского и др.
«Пляска смерти» (Danse macabre) Камиля Сен-Санса в первоначальном варианте (1872) представляла собой романс на слова стихотворения Анри Казалиса с ироническим названием «Равенство, братство»:
«“Зиг и зиг и зиг” – в полночь, без опаски,
На могильном камне, радостно визжа,
Смерть канкан танцует, скрипка вторит пляске,
“Зиг и зиг и заг” – жутко дребезжа».
Эти строки были вписаны перед нотным текстом симфонической поэмы Сен-Санса «Пляска смерти» op. 40, написанной двумя годами позже на основе того же музыкального материала. Для изображения стука костей композитор ввел в партитуру редкий в те времена ксилофон, а скрипка – инструмент, на котором играет Смерть – закономерно выдвинулась в ней на роль солиста. Верхняя струна солирующей скрипки перестроена на полтона вниз, из-за чего привычные квинты превращаются в пронзительно звучащие тритоны.
Варварская экзотика «Вакханалии» из оперы «Самсон и Далила» Сен-Санса
История создания оперы Камиля Сен-Санса «Самсон и Далила» оказалась длинной. Задумав сочинение в 1866 году, композитор первоначально представлял его себе как ораторию – для этого жанра библейские сюжеты были традиционными. Певцы во фраках и концертных платьях выглядели академически-нейтрально, появление же героев священной истории на сцене оперного театра в костюмах древних иудеев и филистимлян в Европе XIX века (особенно в католической Франции) не приветствовалось.
Планы Сен-Санса через некоторое время изменились – вдохновленный общением с певицей Полиной Виардо, он решил написать оперу для нее: единственная женщина-солистка – Далила (к тому же меццо-сопрано, что было особенно необычно) выступала в ней в окружении семи солистов-мужчин. Композитор сочинял с перерывами (закономерно сомневаясь в возможности представить ее на французской сцене), и в итоге знаменитая дива не смогла участвовать в премьере (1877) – не позволял возраст, на тот момент ей исполнилось 56 лет.
«Вакханалия» – балетный номер из 3 акта – появилась в программах симфонических концертов как самостоятельная оркестровая пьеса после первого исполнения оперы, вскоре став невероятно популярной. Ею дирижировал сам Сен-Санс, а впоследствии множество знаменитых музыкантов – от Андре Мессаже и Сэра Томаса Бичема до Джеймса Ливайна, Валерия Гергиева и Густаво Дудамеля. Эта музыка, сопровождающая на сцене танцы язычников-филистимлян в храме бога Дагона, покоряет варварской экзотикой, выразительной имитацией звучания восточных ударных и духовых инструментов, контрастами стремительного, акцентированного движения и роскошных, медленных ориентальных тем.
Лирика раннего Скрябина: Концерт для фортепиано с оркестром
Концерт для фортепиано с оркестром фа диез минор ор. 20 (1897), написанный 25-летним Александром Николаевичем Скрябиным – одно из самых обаятельных, возвышенных, светлых его сочинений. Ранний Скрябин раскрывается в нем как восторженный продолжатель шопеновской линии романтического пианизма. Он старается следовать структуре классической трехчастной формы – Allegro – Andante – Allegro moderato, – соблюдая правила композиции с аккуратностью, выдающей в нем недавнего консерваторского выпускника.
И, вместе с тем, Скрябин узнаваем с первых нот – в нежной, теплой лирике, в прекрасных пасторальных эпизодах, в коротких драматических импульсах-вспышках. Наслаждение – наблюдать за тем, как пианист вступает в диалоги с солирующими инструментами оркестра, валторной, кларнетом, гобоем, флейтой, первыми скрипками…
Единственный фортепианный концерт Скрябина никогда не имел той популярности, которая была, например, у знаменитых Второго и Третьего концертов его сверстника и соученика С. В. Рахманинова. Первое исполнение состоялось в Одессе в 1897 году под руководством директора Московской консерватории С. В. Сафонова и при участии самого А. Н. Скрябина в качестве солиста, но впоследствии концерт не был в «фарватере» музыкальной жизни столиц. До революции он исполнялся почти исключительно самим автором, и то сравнительно редко. Впоследствии он стал скорее «нишевым» сочинением, требующим особенной чуткости и понимания стиля раннего Скрябина. Вместе с тем среди его интерпретаторов было множество пианистов высочайшего класса – Владимир Софроницкий, Генрих Нейгауз, Самуил Фейнберг, Фридрих Вюрер, Дмитрий Башкиров, Станислав Нейгауз, Владимир Ашкенази, Алексей Наседкин и другие.
Магия «Болеро» Равеля
«Болеро» – музыка, которая на слуху даже у тех, кто едва ли вспомнит имя ее автора – Мориса Равеля. Она звучит в джазе и в кино, как рингтон на мобильных телефонах, как саундтрек в сопровождении выступлений фигуристов.
«Болеро» стало популярным уже при жизни Равеля, воспринимавшего свой невероятный успех с иронией, охотно делясь с желающими «рецептом» создания шедевра. Нужно выбрать тему простую до смешного, «чтобы каждый мог её насвистывать, выходя из зала», а потом использовать ее для «задания по оркестровке», – говорил он.
В этой шутке была доля правды. Композитор должен был написать пьесу в кратчайший срок, придя на помощь своей близкой подруге, знаменитой балерине Иде Рубинштейн. Расклеенные по Парижу афиши анонсировали ее выступление в Гранд-Опера, музыки к которому еще не существовало. Приступая к выполнению заказа Равель предупредил ее, что пишет «партитуру без музыки». Он выполнил работу в срок. Премьера балета прошла с большим успехом 22 ноября 1928 года – Ида Рубинштейн танцевала в туфлях на каблуках, неистово и страстно, напоминая «зверя в клетке». «Болеро» сразу приобрело популярность как в качестве балета, так и в виде самостоятельной пьесы для симфонического оркестра. Незабываемым стало его воплощение в танце Майи Плисецкой.
В чем загадка популярности «Болеро»? Это музыка, смысл которой скрыт за математически точными повторами мелодии. «Змеиная» гибкость ее ритма, меняющегося от такта к такту, кажущееся бесконечным дыхание (в ней почти нет пауз) – завораживают. Повторения мелодии, звучащей 18 раз в течении 15 минут – от приглушенного соло флейты на фоне дроби малого барабана до оглушительного рева всего оркестра в финале – создают своего рода гипнотический транс.
О чем эта музыка? В ней не найти привычных «проявлений чувств» – радости, скорби, меланхолии, веселья и всего прочего, к чему мы так привыкли. Она похожа на песочные часы, которые переворачиваются всякий раз, когда весь песок оказывается внизу. «Болеро» захватывает как магическое заклинание – своей энергией, абсолютной силой, действующей как бы «по ту сторону добра и зла». Образ, которому позднее Дмитрий Шостакович придал более конкретное выражение в вариациях на тему шутливой песенки, перерождающейся в лязг железа в первой части «Ленинградской» симфонии.
Елена Таросян (скрипка)
В 2011-м окончила Музыкальный колледж при Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки (класс Марины Кузиной-Койфман), в 2016-м – Московскую государственную консерваторию им. П. И. Чайковского (класс Эдуарда Грача), затем – ее ассистентуру-стажировку (под руководством того же педагога). Неоднократно участвовала в международных мастер-курсах Keshet Eilon в Израиле, а также принимала участие в мастер-классах Бориса Кушнира, Виктора Третьякова, Захара Брона, Максима Венгерова, Филиппа Херревеге, Хаима Тауба, Розы Файн, Вадима Глузмана, Ицхака Рашковского, Ани Шнарх, Антона Бараховского.
Лауреат Международного конкурса-фестиваля «Искусство XXI века» (Киев – Ворзель (Киевская область), 2003 и 2010; I премия), Международного конкурса скрипачей им. Мирослава Лавриновича (Плоцк, Польша, 2007; II премия), Международного юношеского конкурса им. Е. А. Мравинского (Санкт-Петербург, 2008; III премия), молодежных Дельфийских игр России (Тверь, 2011; золотая медаль), Международного конкурса скрипачей им. А. И. Ямпольского (Москва, 2012; II премия), Международного конкурса скрипачей и альтистов им. Йозефа Сигети (Будапешт, 2012; IV премия), Международного музыкального фестиваля на Родосе (2012; Гран-при), Международного конкурса скрипачей в монастыре Шёнталь (Германия, 2013; I премия), Международного юношеского конкурса «Скрипка Севера» (Якутск, 2013; Гран-при), Международного конкурса скрипачей в Астане (2014; Гран-при), Международного конкурса скрипачей Эдуарда Грача (Дубна, Московская область, 2014), Международного конкурса молодых исполнителей им. Рудольфа Гуммерта (Казань, 2017; Гран-при), Всероссийского конкурса артистов симфонического оркестра (Москва, 2018; I премия), Международного конкурса скрипачей и виолончелистов «Классические струнные» (Дубай, 2022; II премия) и других состязаний; дипломант Московского международного конкурса скрипачей им. Д. Ойстраха (2010). На XVII Международном конкурсе им. П. И. Чайковского (Москва – Санкт-Петербург, 2023) была удостоена III премии и бронзовой медали.
Сотрудничает с Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Государственным академическим симфоническим оркестром России им. Е. Ф. Светланова, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия», Академическим оркестром русских народных инструментов им. Н. Н. Некрасова, камерным оркестром «Московия»; выступала с дирижерами Валерием Гергиевым, Александром Лазаревым, Владимиром Федосеевым, Пааво Ярви, Михаилом Юровским, Александром Сладковским, Томасом Зандерлингом, Туганом Сохиевым, Дмитрием Юровским, Филиппом Херревеге, Юрием Симоновым, Жан-Кристофом Спинози, Юлианом Рахлиным, Антонелло Манакордой и многими другими.
С 2018 года – концертмейстер Российского национального молодежного симфонического оркестра.
Преподавала на кафедре симфонического дирижирования и струнных инструментов Академии им. Маймонида Российского государственного университета им. А. Н. Косыгина (Москва).
Играет на скрипке работы Карло Антонио Тесторе (1751).
Абисал Гергиев (фортепиано)
Абисал – сын дирижера Валерия Гергиева, имя которого говорит само за себя. Для молодого пианиста этот факт – это одновременно и привилегия, и огромная ответственность. С раннего детства он погружен в звучание симфонического оркестра. Проводником в этот мир был для него отец, влияние которого позволило ему начать свой путь с «высокого старта», но (что особенно важно!) не помешало стать самостоятельным, оригинально мыслящим музыкантом. С ранних лет Абисал восхищен многообразием оркестровых тембров, а его настоящая страсть – исследование «внутренней жизни», динамики развития крупных звуковых полотен.
Играя сочинения Бетховена, Моцарта, Мендельсона, Шумана, Скрябина, Прокофьева, Шостаковича, Щедрина, но особенно – любимого Малера, вслушиваясь в них, самостоятельно делая фортепианные переложения оркестровых партитур, он стремится передать публике свое понимание музыки, радость от общения с ней. Он не только «пианист», но настоящий артист, в игре которого сочетаются «фортепианное» и «оркестровое», масштаб и тонкость в передаче деталей фактуры.
Абисал Гергиев начал играть на фортепиано в возрасте четырех лет, а к профессиональному обучению пришел несколькими годами позже: сначала в средней специальной музыкальной школе Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова, а затем в Бостонской консерватории Новой Англии, которую окончил в 2023 году. Среди его наставников – знаменитые педагоги Александр Сандлер и Хва Гён Бён (Wha Kyung Byun).
В его активе – победа на Северном международном музыкальном конкурсе (Стокгольм, 2024; II премия), сольные концерты – в Санкт-Петербурге, Владикавказе, Вербье, Софии, Белграде и др.
Принадлежность Абисала Гергиева к одной из самых знаменитых музыкальных династий контрастирует его сдержанности в публичной сфере – он не склонен к самопиару, редко дает интервью, нечасто выкладывает новости о себе в социальных сетях. Тем интереснее будет познакомиться с этим музыкантом вживую!
Юрий Демидович (дирижер)
Окончил факультет хорового дирижирования Республиканской гимназии-колледжа при Белорусской государственной академии музыки (класс Ларисы Шиманович); во время обучения выступал с сольными вокальными программами (дискант) в Германии, Франции, Польше, Бельгии, Италии, России и других странах. С 2015 года учился в Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского – на кафедре хорового дирижирования (класс Станислава Калинина), кафедре сольного пения (класс Алексея Мартынова), занимался композицией у Валерия Кикты, написав под его руководством Белорусский вальс-размышление для симфонического оркестра.
По окончании четвертого курса перевелся на кафедру оперно-симфонического дирижирования (класс Вячеслава Валеева), которую с отличием окончил в 2021-м. В 2023-м – также с отличием – окончил ассистентуру-стажировку Московской консерватории (класс Анатолия Левина).
На московском Международном конкурсе пианистов, композиторов и дирижеров им. С. В. Рахманинова был удостоен специального приза в 2022 году, III премии и бронзовой медали в 2025-м. Лауреат премии Фонда им. И. С. Козловского (2023).
В 2021–2023 годах был педагогом кафедры оперной подготовки и дирижером Оперного театра Московской консерватории. Еще будучи студентом, работал ассистентом в спектаклях «Богема», «Травиата», «Евгений Онегин». В 2021-м выступил дирижером-постановщиком оперы «Алеко».
С сентября 2023 года – стажер Мариинского театра. В 2024-м продирижировал на петербургской мариинской сцене операми «Любовный напиток» и «Травиата», а в филиале в Республике Северная Осетия – Алания – премьерой постановки оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие…», исполнениями «Травиаты», «Летучей мыши» и «Снежной королевы».
Одновременно с февраля 2026 года – художественный руководитель Театра оперы и балета Республики Коми(Сыктывкар).
Дирижировал кёльнским Гюрцених-оркестром, Симфоническим оркестром Кёльнского радио, Большим симфоническим оркестром им. П. И. Чайковского, Российским национальным оркестром, Концертным симфоническим оркестром Московской консерватории, Оркестром Большого театра России, Ярославским академическим губернаторским симфоническим оркестром, Оркестром Большого театра Беларуси, Ростовским академическим симфоническим оркестром, Тюменским филармоническим оркестром, Государственной академической симфонической капеллой РФ и другими коллективами.
Российский национальный оркестр
Российский национальный оркестр (РНО) был основан в 1990 году народным артистом России Михаилом Плетнёвым и практически сразу обрел международную известность и безусловное признание публики, став олицетворением русской музыкальной традиции и одним из ее ярчайших символов. В 2004 году РНО стал первым оркестром в истории симфонических коллективов нашей страны, получившим премию Grammy. Самый авторитетный в Европе журнал о музыке Gramophone включил РНО в двадцатку лучших оркестров мира.
Российский национальный оркестр сотрудничал с ведущими исполнителями, такими как Лучано Паваротти, Пласидо Доминго, Хосе Каррерас, Дмитрий Хворостовский, Мстислав Ростропович, Джошуа Белл, Максим Венгеров; с РНО выступали лучшие дирижеры современности: Владимир Юровский, Пааво Ярви, Шарль Дютуа, Клаус Петер Флор, Кристоф Эшенбах, Альберто Дзедда. Свой последний концерт в Москве Евгений Светланов дал именно с РНО.
Совместно с всемирно известной фирмой Deutsche Grammophon, а также с другими компаниями, РНО осуществляет успешную программу звукозаписи, в рамках которой выпущено уже более ста альбомов. Записи оркестра постоянно становятся лидерами экспертных рейтингов, многие работы получили престижные международные награды.
Оркестр первым среди негосударственных коллективов получил грант Правительства РФ, а в 2009 году обрел государственный статус. В 2022 году художественным руководителем оркестра стал Александр Рудин.
Пресс-служба Запомни Энтертейнмент